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焰色夏树 - 10/11/2005 3:03:00 AM
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焰色夏树 - 10/11/2005 3:04:00 AM
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焰色夏树 - 10/11/2005 3:05:00 AM
别让音乐术语成了累赘,喜欢与否都是主观感受,分类有必要么,就像不能把人定义为好和坏两种一样。
grantwewe - 10/11/2005 7:49:00 PM
太喜欢楼主了...又长知识了!谢谢~~`[em15][em15]
Henry2004 - 10/16/2005 9:20:00 AM


cooledit2.0

软件介绍:著名的多轨音频编辑软件,功能上比1.2版改进如下:
1.实时的非破坏编辑。
2.为每一轨提供了实时效果器链。
3.实时均衡处理器。
4.多轨调音台。
5.多轨模式下对midi文件的支持。
6.可以实现数字式CD抓轨,同时提供批处理式的音乐格式转换或者压缩。这个功能很强大,也非常方便。
7.对Loop的支持。
8.抽取并编辑视频文件中的音频。
9.X作界面更加灵活化。
10.新增加了几个效果器。
11.相位分析器。在Analysis菜单下选择"Show Phase Analysis",即可打开相位分析器。可以对立体声音频文件的相位进行细致的分析。
12.支持更多轨数。从1.2版的最多64轨翻了一倍,现在可以支持最多128轨了。
13.更多的包络编辑功能。在1.2版的音量包络和声相包络的基础上,2.0版新增加了3种包络编辑功能:
Wet/Dry Envelopes对某一轨上加载的效果器量(干/湿)进行调节。
FX Parameter Envelopes对某一轨上加载的动态效果(如Dynamic EQ,Dynamic Delay)的量进行调节。
Tempo Envelopes对midi轨的速度进行调节。
14.用鼠标拖拽波形的长短。
15.内置的节拍器。
16.支持更多的音频文件格式。常用的包括wav, mp3, mp3pro, raw, cel, cda, voc, vox, smp, wma, asf, pcm, raw等。
17.支持US-428硬件控制器。  

cooledit2.0下载地址(建议下载2.1版本,地址在本帖子下方):
http://ok.wo99.com/ruanjian/cool.rar


cooledit2.1
安装注意!
如果您以前安装过cooledit 请把它正常卸载 最好到控制面板。另外,在安装过程中每做下一步的时候,把上一步自动打开的cooledit关掉(避免不必要的麻烦)提醒!!!请先安装winrar压缩软件
先安装这个
cep_v2.0 setup.exe
为了避免不必要的麻烦 最好都用默认路径 就是说什么都别改!! 否则后果自负

然后进行破解 用这个
cep2reg.exe
也是全部默认,用户名和密码是这个
Name:   mydaj
Code:   200-00-NKLYUBNZ

好了 现在可以升级了 用升级版的cooledit2.1
cep_v2.1 setup.exe

统统默认 完了,接着就是汉化了。
Cool2chinese 汉化包

最后 按照从左到右的顺序依次安装三个插件(插件的注册码在插件的目录里面有)
BBE     ultrafunk2     waves

cooledit2.1下载地址:
http://ok.wo99.com/ruanjian/cool2.1.rar


系统介绍一下用Cooledit pro 2.0录制自唱歌曲的一个全过程,希望对喜欢唱歌,想一展歌喉的朋友有所帮助。
录制原声
录音是所有后期制作加工的基础,这个环节出问题,是无法靠后期加工来补救的,所以,如果是原始的录音有较大问题,就重新录吧。
1、打开CE进入多音轨界面右击音轨1空白处,插入你所要录制歌曲的mp3伴奏文件,wav也可(图1)。

(图1)

2、选择将你的人声录在音轨2,按下“R”按钮。(图2)


(图2)
3、按下左下方的红色录音键,跟随伴奏音乐开始演唱和录制。(图3)


(图3)
4、录音完毕后,可点左下方播音键进行试听,看有无严重的出错,是否要重新录制(图4)


(图4)
5、双击音轨2进入波形編辑界面(图5),将你录制的原始人声文件保存为mp3pro格式(图6 图7),以前的介绍中是让大家存为wav格式,其实mp3也是绝对可以的,并且可以节省大量空间。






注)需要先说明一下的是:录制时要关闭音箱,通过耳机来听伴奏,跟着伴奏进行演唱和录音,录制前,一定要调节好你的总音量及麦克音量,这点至关重要!麦克的音量最好不要超过总音量大小,略小一些为佳,因为如果麦克音量过大,会导致录出的波形成了方波,这种波形的声音是失真的,这样的波形也是无用的,无论你水平多么高超,也不可能处理出令人满意的结果的。
另:如果你的麦克总是录入从耳机中传出的伴奏音乐的声音,建议你用普通的大话筒,只要加一个大转小的接头即可直接在电脑上使用,你会发现录出的效果要干净的多。


问:怎么才能把文件存成比较小的格式?
答:在混缩另存为的时候 选定wma格式   再点选项   然后选择48kbps那一行 确定就可以了 具体请看
http://wo99bbs.wo123.com/99/read.php?tid=1179&fpage=2&toread=1

问:MP3的格式为什么不能存?
答:一般来说MP3各式的歌曲是可以存的 但是由于MP3格式的歌曲有缓存 所以比较大 保存的时候很吃系统资源 有些朋友的机器扛不住 这样就出现了只能存1分40秒的问题


问:为什么我录出来的我的声音特别的小 几乎没有?
答:也许你没有钩选麦克风增强 双击任务栏小喇叭==〉选项==〉属性==〉麦克风下面的高级按钮(要在钩选了选项中的高级选项的前提下)==〉点选那个复选框==〉确定
或者用调节音频块音量的方法:人声和伴奏可以分别处理声音大小!




问:为什么我插入wma文件以后,看到的波形是一个很短的音块呢?根本不能用啊。
答:wma不能插入的问题有可能是操作系统的一些媒体驱动程序的问题,建议去下载windows media player 9.0以上版本,并安装使用。这个软件会同时更新你的多媒体驱动。注意,记得装好WMPer9.0以后要删除COOLedit并重新安装。

问:为什么我的插件不能用?
答:原因有:1,你没有进入单轨模式。2,你没有刷新效果列表(单轨==〉[效果]==〉[刷新效果列表]

问:为什么我的音频选项里面 麦克风下面没有高级选项的按钮?
答:因为 你没有在[选项]下拉菜单中选择[高级控制]。

问:今天我上传歌曲的时候总是提示我网页出错!然后整个登陆就全关闭了!可以帮帮我吗?
答:应该就是realone的问题,这个问题我也是经常遇到的,你一旦把realone卸载重新安装就OK了~

问:为什么突然伴奏也不能下了 歌也不能听了? 点击后没有反应!!
答:关掉你的病毒防火墙   关掉你的病毒防火墙在浏览器的嵌入程序   就可以了

问:我下载了最新cool,界面最左应该分别有文件、效果、偏好,但我的里面却没有,怎么回事?
答:点击菜单栏的"查看"-"资源管理器"即可.
  
问:我下载了一个1.5M的伴奏,然后用Cool Edit Pro 2.1录制后,直接另存为WMA格式后,文件竞达9.38M,请问这是为什么?
答:(NEMO原创)
首先注意保存类型,要选择WINDOWS MEDIA AUDIO (*.WMA ;*.ASF;*.ASX),然后点击下面的“选项...”
当然,这个保存类型可以根据你自己的需要选择MP3或其他的格式
然后选择反白的这个 48KBPS这一行,点OK!!搞定,看看吧:)





问:我不知道为什么拿我的麦录歌声音超级小或者没声音?
答:首先检查麦有没有正确插在麦克风插孔里,如果确认麦没问题的话,双击任务栏小喇叭==〉选项==〉属性==〉录音=>点确定=>勾选麦克风=>麦克风下面的高级按钮(要在钩选了选项中的高级选项的前提下)==〉点选那个复选框==〉确定.也可以直接在cooledit的菜单栏点"选项"=>"录制调音台"




也可以参考图片调整音量大小。

问:为什么我录音的时候连伴奏也一起录下来了?
答:有俩个原因:
一:你把音箱给开起来了,请把音箱关掉,用耳机监听.
二:你在录音控制里选择了立体声混音,应该:双击任务栏小喇叭==〉选项==〉属性==〉录音=>勾选麦克风=>点确定=>麦克风下面的高级按钮(要在钩选了选项中的高级选项的前提下)==〉点选那个复选框==〉确定.也可以直接在cooledit的菜单栏点"选项"=>"录制调音台".




问:为什么录音过程中在耳机里听不到自己的声音?听不到声音很难把歌录好啊!
答:在声卡"播放控制"里的麦克风取消静音,即双击任务栏小喇叭,把麦克风栏下"静音"前的勾取消掉,并把伴奏音轨音量调小,监听耳机音量调大到合适即可.

问:为什么我的歌曲存为MP3格式只有1分04秒了啊
答:如果是本站的安装程序应该不会这样,可能是破解的问题,请重新安装本站提供的程序并严格按照压缩包内的安装说明来装.另外建议存为wma就不会有此问题,文件又小.

问:为什么伴奏音频文件打不开或插入后变成噪音?
答:有2种情况:1:选择插入后在弹出的框中看不到任何文件,这时需要在框下面的"文件类型"种选择所有文件即可.

        2:插入后的伴奏变成了噪音或根本不能插入,请安装Windows Media Player V9.0,下载地址:

http://www.microsoft.com/downloa ... p;displaylang=zh-cn

,或者选择插入视频中的波形文件.

问:为什么我录出来的歌电流声和噪声那么大!!
答:(NEMO原创)
原因一、MIC或是MIC线的问题,引起的电流噪音,换个MIC和线试试~
原因二、将电脑的接地做好,也许是因为接地不好引起的电流噪音~
原因三、录音前,将“音 量 控 制 ”里除了VOLUME和WAVE以外的都打静音,这样可以减少部分噪音~~~
原因四、录音前,在COOL EDIT上先将例如MIC等出现的静噪进行采样,再对录出的人声做处理,就好多了~~
降噪及效果处理教程:

http://bbs.wo123.com/bbs/viewthread.php?tid=80799&fpage=1

问:为什么我的效果插件用不了?
答:插件可以装在任何地方,不一定要装在cooledit目录下,关键是要在单轨模式下刷新,cooledit会自动扫描到,但为了方便管理,最好装在cooedit的安装目录下.进入单轨-效果-刷新效果列表,使用效果插件需要音轨上有波形文件,否则效果显示是灰的,无法使用.
问:为什么在降噪完后,自己唱出来的声音很小声,几乎听不到?
答:可能是直接将人声音轨全部采样了,应该选取人声音轨的空白部分(一小段即可5,6秒也可)先进行噪音采样.

关于伴奏和人声不同步的问题解答
在其他论坛看了看,发现伴奏和人声不同步这个问题还是有蛮多人遇到的,但是有的人用以下的方法解决了,有的人还是无法解决.你先确定以下的方法你都试了吗?
首先看看是不是无意中按了右键导致音轨被移动,如果有的话,按右键把它复原,没有的话 ,也可以按ipisjohn的方法,把它放大几倍后调.但这不能解决根本问题
然后你再看看:
  1:录音时不要运行其它的程序,包打开过多的网页等等..
   2:在cool的多轨模式下选择“选项”-“设置”-“多轨”-“录音同步时校正"
  3:优化操作系统.
  4:尽量选用WINXP或WIN 98,win2000对录音软件的支持极差,另外,使用最新声卡驱动.
   5:升级硬件,主要是CPU和内存.(如果是WINXP,内存最好在256M以上,CPU1G以上)
   6:第六,检查一下DirectX的版本。检查方法,选择“开始菜单”-“运行”-输入“dxdiag”,在出现的“DirectX诊断工具”中查看DX版本(图2),请确保DX版本在8.1以上。如果不是,去网上下载8.1以上版本.附下载地址:
  
http://download.microsoft.com/do ... rectx_9c_redist.exe
  其中,优化操作系统很重要,你可以去下载超级兔子魔法设置来优化系统,很多人优化后就好了.
如果你的主板是威盛(VIA)芯片组的话,那可以去打个VIA 4 in 1补丁试试到威盛官方网站,
http://www.via.com.tw ,或者你的主板网站亦可.请先确认你的主板是威盛芯片组!如果不是的话就不用装了.是的话应该可以解决,因为via芯片组兼容性很差.
这个问题就是软件或硬件引起的,我们首先得先从软件下手阿,否则,再去花钱买个声卡或其它硬件,你也不乐意吧,呵呵
最后,祝你们好运!!!
另外,最好把你们的电脑配置说出来,以及出故障前动了什么硬件或软件?


这是来自"E路阳光网络电台"的转帖,作者"阳光".
请注意,本贴内容本人未验证过,仅作为出现不同步问题还未解决的朋友参考,如果你依照下面的办法解决了问题,请回个贴,谢谢!!

很多朋友都问到过这个对不齐的问题,其实这根本不是设备差了的问题,是软件设置不当造成的,大家可以想想,为什么会出现不同步,一般都是大家在录完人声后,从多轨窗转到波形编辑窗后产生的(注意这里),举个例子,大家在转到波形窗的时候,会发现那个黄色的标记线的起始时间不是0:0:0,还可能是0:32:12这样类似的时间,这就是说,本身有个误差在里面,而设置的不同,这个时间会有些差异..

解决的办法是什么呢?根据我的经验,一般在录完人声这一个轨后,在多轨状态下,将黄色标记线拖到最前面,一定要看清楚是最前端,这时起始时间就是0:0:0,然后用鼠标右键去点人声那一轨,进入波形编辑窗口,切记,进入波形窗口后,什么都不要按,直接点"另存为",存为一个文件,然后,在回到多轨窗口下,将刚才录的那关删掉,在空白的一轨再插入刚才保存的那个人声文件,这样就百分之百的对得齐了,我已经在很多电脑上试过了,甚至在赛羊433,64m内存的电脑上也试过,也没出现对不齐的原因,可见,对不齐根本就不是电脑配置差的缘故.

另外,在设置里面开启"高速系统缓存",增加临时文件的容量,将ce里面的"设置"中的"系统"---"录音时同步校正"打开,也会有点用处.

关键是声卡驱动的问题,我以前重装系统后装的随便AC97的驱动,但是AC97的驱动有很多,一定要用对,我以前就是放音频视频只要一运行其他软件就卡,让人看了觉得就是系统资源不足,后来我录歌就开机什么都不运行,结果还是没用。最后发现是声卡驱动的问题(是朋友让我重装了看)我用的是Realtek_wdm_a354,结果问题解决了

Henry2004 - 10/16/2005 9:21:00 AM
有的图片是会动的..大家仔细看..希望大家学会录音后...可以自己唱几首来分享下
焰色夏树 - 10/21/2005 1:23:00 AM

世界音乐(World music)

有时又称民族流行音乐(Ethno pop)。广义的世界音乐可以泛指世界上所有的民族音乐。但是在这里我们所要介绍的世界音乐主要是指第二次世界大战结束以来,以美国流行音乐为主体的,同时融合了来自世界各国的民族音乐元素的一种新音乐形式。
二战结束以来,美国流行音乐占据了整个世界。布鲁斯、爵士乐、摇滚乐、索尔音乐和其他更多的形式充斥全球的每个角落,对各国流行乐坛带来巨大的冲击。其实,所有的这些"美国"形式,实际上都是非洲血统的基因转移,是贩奴时代流传到北美的节拍。当这些节奏稍略加工以后以新的形式回到他们的故乡时,又影响了曾经孕育他们的文化并诞生了令人兴奋的混血品种--世界音乐。80年代世界音乐对西方流行音乐的发展带来了极大的影响。有趣的是这种影响却是一种循环关系:非洲的黑人文化作为流行音乐的源泉使其迅速发展这是有目共睹的,然而当这种美国形式的流行音乐回到非洲时又促使了世界音乐的诞生。80年代,当世界音乐的影响逐渐扩大,世界各地(特别是亚非地区)的音乐家便通过各种先进手段充分体现了更加前卫的当代意识,从而又返回来促进了流行音乐的发展。因此,我们可以明显地看到世界音乐并不是孤立存在的,它是一种流行音乐、民族音乐甚至传统音乐相结晶的混合体。

一、雷盖音乐

1、概述
雷盖音乐(Reggae,港台地区又译"雷鬼音乐"),60年代中期起源于牙买加,速度中等,强调反拍的重音是它的明显特征。
雷盖音乐从洛克斯代迪(Rocksteady)音乐演变而来,而洛克斯代迪音乐又是斯卡(Ska)音乐的延续,这三种音乐的根源都是加勒比海的非洲音乐传统、神圣的复兴主义以及美国的节奏布鲁斯。
50年代中期,美国的节奏布鲁斯通过迈阿密、新奥尔良、孟菲斯等地的广播电台传入牙买加后,当地的一些音乐家便将其与牙买加的民间音乐曼图(Mento)相融合,逐渐形成了斯卡音乐。斯卡音乐的速度较快,节奏强调反拍的重音,乐队中除了采用传统的曼图音乐的乐器(如木吉他、各种拉美打击乐器)外还加入了铜管乐、电吉他、电贝司和键盘等乐器,并突出铜管的华丽色彩。斯卡音乐流行于1960至1965年之间,到60年代中期逐渐演变为洛克斯代迪音乐。洛克斯代迪音乐与斯卡音乐相比,它的速度明显放慢,节奏及织体更为细腻丰富;其乐队完全采用节奏布鲁斯的组合方式,将吉他作为节奏乐器,用切音技巧演奏松驰而富有韵律的节奏音型;贝司声部的旋律也更具独立性,与华丽的主唱声部构成对位。60年末,洛克斯代迪音乐又发展成更具国际性的雷盖音乐。实际上,很难在洛克斯代迪音乐和雷盖音乐之间划出明显的界限,只是雷盖音乐比洛克斯代迪音乐更为细腻,更多地使用电声乐器和更加国际化、商业化而已。
雷盖音乐的表现内容与当地穷苦人信仰的拉斯塔法里教(Rastafari)有着密切联系。该教派崇拜埃塞俄比亚前皇帝海尔·塞拉西一世,把他当作神,当作黑人的救星,教派即因他在登位前被称为塔法里亲王而得名。雷盖音乐经常表达拉斯塔法里教的政治思想,表达牙买加被压迫群众的心理,梦想有一天获得解救,重返非洲故乡--他们的地上天堂。雷盖音乐的代表人物是鲍勃·马利,他使雷盖音乐广泛流传开来,成为一种具有世界影响的流行音乐形式。

2、鲍勃·马利(Bob Marley,1945-1981)
鲍勃·马利,1945年出生于牙买加,是英国海军白人军官和黑人女仆的儿子,从小在贫民窟里长大,青少年时,鲍勃·马利除了信仰拉斯塔法里教以外,还受到60年代美国"黑人权利"(black Power)理论的影响。音乐方面,鲍勃·马利对黑人摇滚乐、纳特·金·科尔(Nat King Cole,1915-1965)那种风格的"白人"爵士,以及索尔音乐等都同样喜欢。当然,斯卡音乐更是他后来音乐发展的重要基础。
1965年,鲍勃·马利组织了"恸哭者"(The wailers)乐队,他们的早期作品歌词比较"稚嫩",反映了他们"在牙买加贫民窟度过的童年以及作为失业青少年的生活"。不久,马利转向简单的、政治上更加激进的牙买加街头语言,如《起来,站起来》(Getup,Stand up)的歌词:"起来,站起来,为你的权利站起来。起来,站起来,决不要放弃战斗"。《我向县长射击》(I Shot the Sheriff)叙述一个黑人不公正地遭到迫害的故事。这两首歌曲都出自专辑《燃烧》(Burning),《燃烧》的主题就是"与革命有关的火"。另一张专辑《起义》(uprising)后来分别成为在牙买加、伦敦和南非骚乱者的战斗呼声。因此《牛津流行音乐之友》写道:"在(雷盖)被商业化之前,它是一种反叛的音乐"。1972年,"恸哭者"乐队与伦敦的"岛屿"(Island)唱片公司签约,开始建立他们的国际名声。1977年,鲍勃·马利赴美国及欧洲巡回演出,受到热烈欢迎。他的发式(流行于加勒比海人中间,把头发梳成很多像绳子似的小辫子)被很多雷盖乐迷们模仿,他的音乐更是影响了欧美很多白人和黑人歌星及乐队。1981年,鲍勃·马利死于癌症,时年36岁。
除了鲍勃·马利,著名的雷盖音乐家和乐队还有彼特·托许(Peter Tosh)、"黑色自由"(Black Uhuru)乐队、"阿斯旺德"(Aswad)乐队、"第三世界"(Third World)乐队等。 3、其他雷盖乐队
70年代后期,当雷盖音乐在欧美找到了广阔的市场后,众多音乐家开始纷纷效仿。其中以英国的"UB40"乐队和"警察"乐队最为知名。
"UB40"成立于1977年,乐队阵容庞大,有8位成员,他们来自英国的伯明翰。UB40是英国救济福利组织的代号,由于建队时大部分成员都失业,需要填写UB40的社会福利救济表,他们便以此作为乐队的名称。1983年,乐队达到高峰状态,他们演唱的《红红的葡萄酒》(Red Red Wine)独占排行榜榜首,在这首经典作品中,人们充分领受到了"雷盖音乐"那节奏张驰有度、旋律清新流畅的独特美感,直到今天,"UB40"乐队仍乐此不疲。
"警察"乐队(The Police)成立于1977年,乐队的三位成员是主唱兼贝司手斯汀(Sting)、吉他手安迪·萨莫(Andy Summer)和鼓手斯蒂瓦特·科佩兰(Stewart copeland)。他们将雷盖音乐和流行音乐有机地融合在一起,使其更加流行化。斯汀是乐队的核心人物,原名戈登·马修·萨姆纳(Gordon Matthew Sumner,出生于1951年),乐队最著名的代表作《你的每一次呼吸》(Every Breath you take,1983,例43)就是斯汀在牙买加度假期间而创作的。1984年,乐队解散,斯汀开始他的独唱生涯并一路辉煌。在1999年推出的专辑《新日子》(Brand newday)中,各种风格浑然一体,爵士乐、世界音乐、流行音乐的完美结合,也更加充分地体现出了斯汀的音乐天赋。


二、拉丁音乐

   本节所谓的拉丁音乐(Latin music)指的是从美国与墨西哥交界的格兰德河到最南端的合恩角之间的拉丁美洲地区的流行音乐。
拉丁美洲是一个多民族的组合,因此拉丁音乐是以多种音乐的融合而形成的一种多元化的混合型音乐。无论是欧洲的白人音乐、非洲的黑人音乐还是美洲的印第安音乐,甚至是东方的亚洲音乐,都对拉丁音乐作出过不同的贡献。它们经过长期的沉淀,在以欧洲文化为主体的基础上,同时又大量的吸取了印第安文化和非洲黑人文化的各种因素,逐渐形成了一种多姿多彩的、充满活力的、充满动感的拉丁文化。那么,在拉丁美洲的众多国家中,以巴西和古巴为首的拉丁音乐,更是走在世界流行音乐的前列。

1、 拉丁音乐的来源及发展

(1)印第安文化
印第安人是美洲大陆的主人,他们的民族传统文化是现代拉丁音乐中的一个重要组成部分。印第安人的音乐文化,根据地域状况的不同,难以一概而论,但是大致可归纳为以下几点:
首先,它与生活密切相关,与宗教、劳动、舞蹈相结合。所以,他们所拥有的旋律单纯而富有独特的表情。这种特点尤其在当地的一些民歌中表现出来,没有半音的五声音阶形成独特的风格和趣味。另外在印第安人的传统音乐中,没有欧洲意义上的和声。再次,乐器方面,没有弦乐器是印第安人乐器的一大特点。虽然当今的印第安人音乐中经常采用吉他、小提琴、竖琴等弦乐器,但是这些都是后来由欧洲人带来的。


(2)欧洲(伊比利亚)文化
欧洲伊比利亚半岛的西班牙、葡萄牙音乐,一方面具有和西欧音乐相通的一般共性,另一方面,受遗留下来的各民族音乐的影响而独具特色。无论是音阶、旋律或者是节奏、和声、演唱和发声,在多方面都表现出欧洲其他地区所没有的因素。特别是它的节奏,有很多三拍子的音乐,但又不像圆舞曲那样单调,而是更加细腻,更具动感。另外,像3/4拍和6/8拍交替,这样复杂而富有生气的节奏也是西班牙人和葡萄牙人所喜欢的,这样的伊比利亚节奏在拉丁美洲被原本不动地流传下来,进而和印第安节奏,特别是和非洲的黑人节奏相结合,产生出更加丰富而微妙的节奏感觉。
乐器方面,以被称为"西班牙国民乐器"的吉他为代表,在拉丁美洲的所有国家受到欢迎。演唱方面,因为歌词是西班牙语或者葡萄牙语,所以能够感觉到和英文歌曲的明显不同。

(3)非洲黑人文化
拉丁美洲,在16世纪初到19世纪后半叶的奴隶制度中,吸收了大量的非洲黑人及其音乐。由非洲黑人带来的传统音乐文化,和在美国的布鲁斯、灵歌、爵士乐、索尔音乐中看到的那样,在拉丁音乐中也表现出了强烈的主体性。
在非洲黑人的音乐中,有和宗教相结合的,也有单纯、世俗的一面。无论哪一方面,其旋律、节奏、唱法都表现出显著的特色。旋律方面,旋律走向以自然的滑音、装饰音而独具特色,音阶更是丰富多采(由于演唱时滑音的运用使音符出现很多的变化)。音色方面,黑人具有十分独特的音质,他们所表达的情感往往给人留下深刻的印象。唱法方面,独唱、合唱、齐唱通常是互相交替,以一呼一应的对答形式为特征。
非洲黑人音乐的最大特色是他们与生俱来的良好而丰富的节奏感。他们使用各种打击乐器,产生出复杂而丰富的节奏、节拍。这些非洲支系的美洲黑人音乐节奏,大致上是以二拍子为基础,但又不像进行曲那样的单纯、刻板。通常是以两种、三种,甚至还有三种以上的节奏型同时重叠进行的混合节奏,不断地加入切分,产生出充满活力的律动感。
综上所述,拉丁音乐主要是由以上三种文化结合而成。这三种文化的结合,如果从旋律、节奏方面来看:在旋律上,印第安人提供基本的五声音阶模式,欧洲音乐的影响表现在扩展音阶、增加和弦上,黑人则增加了更多的变化和修饰;在节拍和节奏上,印第安人坚持短句长休止,用单调的击鼓声作伴奏,欧洲人的节奏主要是西班牙的典型的3/4拍与6/8拍的双重节拍,非洲黑人的影响主要是在几乎不变的2/4拍内加入切分音。
从以上我们可以看出,拉丁音乐的发展大致可以分为四个阶段:①纯粹的印第安曲调,五声音阶;②印第安音乐的"混合化",产生出类似欧洲大小调的印欧混血品种;③"混合再混合",就是用非洲黑人的装饰音和变化装饰音使其进一步发展;④"三次混合",就是在以上的基础上融进了现代化的乐器和制作,使其更加国际化。
1979年,格莱美颁奖晚会上出现了最佳拉丁唱片奖,后又分设各种拉丁音乐奖。从此,拉丁音乐开始遍布全球,使其真正的走向国际舞台。
2、 拉丁节奏
从拉丁音乐的来源中我们可以明显看到,拉丁音乐是一种以节奏为中心的流行音乐。它的节奏所具有的不仅仅是简单的强弱规律,而是作为一种音乐的灵魂使其上升到主导地位。因此,在了解拉丁音乐的过程中,首先需要了解的就是它的节奏。下面着重介绍几种具有代表性的拉丁节奏及风格。

(1)桑巴(Samba)
桑巴源于巴西,它是以黑人所具有的美洲节奏为基础,大量地溶进欧洲旋律而产生的舞蹈音乐形式。其特征是2/4拍,音符短促地滚动节奏。传统桑巴可分为农村桑巴和城市桑巴两种。农村桑巴比城市桑巴切分性强,城市桑巴节奏变化较少,但快捷、灵巧。现代欧美所流行的桑巴,于1920年左右形成于巴西的里约热内卢。

(2)伦巴(Rumba;Ruhmba)
伦巴,起源于非洲,19世纪初出现于古巴,于20世纪初发展并流行起来。30年代初,伦巴传入美国及欧洲各国,同时融入爵士乐成分,使其风靡一时,伦巴的基本节奏型为:×× ×× ×× ×× ,传入欧美后出现了 0 ×× ×× 0× 0× 的变体,并采用沙球、响棒、康加鼓等拉美打击乐器加强节奏。传统伦巴速度中庸,每分钟约40至50拍,通常为4/4拍,后来也出现快速的2/4拍的伦巴。

(3)曼波(Mambo)
曼波,由伦巴与爵士乐中的摇摆乐相结合而成。形成于1940年左右,并在40至50年代风靡世界。演奏曼波音乐的乐队一般规模较大。乐队中有铜管、萨克斯管、钢琴、贝司等摇滚乐队中的常用乐器,也加入沙球、响棒、康加鼓等拉美打击乐器。音乐的构成常以固定低音及和弦序列为基础。

(4)萨尔萨(Salsa)
萨尔萨,一种结合了古巴黑人音乐、美国爵士乐以及南美民间音乐的舞曲音乐。40年代起源于美国,经过50至60年代的演变和发展,于70年代中期形成流行高峰。萨尔萨的节奏乐器仍以拉美打击乐器为主,如沙球、响棒、康加鼓、邦戈鼓等。基本节奏型与曼波、恰恰相似,但萨尔萨中的一种两小节节奏型却独具特色:4/4拍,× × ×× | 0 ×× 0 0 |。传统的萨尔萨音乐,经常由一个不断反复的固定动机构成的曼波段落而组成。

(5)恰恰 (Cha Cha)
继伦巴、曼波等拉丁舞曲之后,恰恰于50年代中后期在欧美各国风靡一时。恰恰,源自古巴的民间音乐恰朗加斯(Charangas)。其基本节奏型是 × × ×× × |, 演奏时用沙球、响棒等拉美打击乐器来加强最后的三个重音。
(6)探戈(Tango)
探戈,起源于古巴的哈巴涅拉(Habanera)舞,作为阿根廷音乐的代表广为流传。其特点为2/4拍的摇曳节奏,通常由两个段落构成,第一段为小调式,第二段为大调式。探戈也有用吉他伴奏的歌唱形式。一般探戈的演奏乐队由小提琴、手风琴、钢琴、低音提琴等乐器组成,而按钮式手风琴是探戈乐队中不可缺少的一种乐器。它的基本节奏型是:××××× | / |。

以上介绍的六种风格,加上在爵士乐中介绍过的波萨诺瓦,作为拉丁音乐的代表,在全球范围内引起了一股拉丁狂潮,但是除了这七种大众性的类别之外,还有以下几种风格也都是极具个性的拉丁音乐,如波莱罗(Bolero)、瓜拉喳(Guaracha)、哈巴涅拉、崧(Son)、瓜希拉(Guajira)、坦桑(Danzon)等。这几种风格都来自于古巴,再加上前面的曼波、伦巴,因此古巴具有"拉丁节奏的宝库"之称。下面提供几种拉丁风格的乐队模式以供参考(例44)。

3、桑塔纳(Santana)
在60、70年代,有一位音乐家对拉丁音乐的传播及发展作出过巨大的贡献,他就是卡罗斯·桑塔纳(Carlos Santana)。
桑塔纳,1947年出生于墨西哥,作为一名出色的吉他演奏家,他为拉丁音乐和流行音乐(特别是摇滚乐)的结合架起了一座桥梁。他吸收了布鲁斯和摇滚乐中的精华,同时又以自己独特的表达方式和充满拉丁韵味的吉他独奏以示对它们的反叛。
1966年以桑塔纳为核心在美国的旧金山成立了他们的乐队,取名为"桑塔纳布鲁斯乐队"(Santana Blues band)。1967年,他们开始发展拉丁音乐风格,不久将乐队改名为"桑塔纳"乐队。1969年,他们出现在伍德斯托克摇滚音乐节上,新颖的拉丁摇滚声音有了某些流露,同时也吸引了众多观众。70年代初,"桑塔纳"乐队创造了拉丁音乐的新型节奏和旋律,并将它们融进了摇滚乐中,桶鼓和拉美打击乐器形成了这种声音的核心,伴随着鼓手提供的更复杂的节奏,使他们的音乐更受欢迎。
在以后的25年中,17位音乐家或离或进,但桑塔纳却是永恒的倡导人,他指引着乐队的发展方向。那些年里,桑塔纳不断地寻找新的元素及影响力,使他们的风格不受拉丁音乐的限制。70年代早期他们对爵士乐产生兴趣,并将其渗透到乐队的作品中。1973年,桑塔纳与著名的爵士萨克斯管演奏家约翰·科尔特兰合作录制了专辑《给投降者的爱》(Love Devotion Surrender)。此后,桑塔纳不断地将摇滚乐、爵士乐和拉丁音乐相结合,使乐队的风格更加丰富多采。
无论是随乐队一道录音和演奏,还是作为一名吉他演奏家,桑塔纳时刻都在追求他音乐上的兴趣和个性,其理想主义的风格从未放弃。70年代后期,他暂时回到更具原始摇滚风格的音乐上,80年代又重拾对爵士乐的兴趣,80年代后期,他又热衷于像约翰·李·胡克那样的布鲁斯曲风。但是不管怎样,桑塔纳的音乐从未离开过拉丁音乐的根源,而且他的音乐演变历程不断地拓展着他的音乐视野和情趣。

拉丁音乐以其独具特色的节奏动感和历史悠久的文化背景使其倍受世界乐坛的关注,拉丁音乐家也层出不穷。近几年流行乐坛中出现的瑞奇·马丁(Ricky Martin)、马克·安东尼(Marc Anthony)、安立奎·依格莱西亚斯(Enrique Iglesias)等明星都是极具个性的新生代拉丁音乐代表。

焰色夏树 - 10/21/2005 1:30:00 AM
******【介绍】日本雅乐******
      关于日本的古代音乐,没有多少考证.在最古老的文献《古事记》中,关于古代音乐的记述,大多与传说有关.从古代遗迹的发掘中,也几乎没有得到能证实有关当时情况的资料,因此,难于想象几千年前的古代音乐的状况,但根据记载,神乐可能是最古老的音乐. 《古事记》中所记的《天之岩屋》的神话,的确是与音乐有关的故事.    天照大神,由于素戋鸣尊的恶作剧,一气之下藏身到天之岩屋中,于是,世上突然成为一片黑暗.众神相聚,商量出对策,由于钿女命在岩屋前跳舞,众神伴唱,开始了热闹的神乐.天照大神对陌生的声音感到奇怪,稍稍推开了岩屋的石门向外观看,这时,天手力男命趁机将天大神拉出岩屋.这时,在神武天皇元年,举行加美真手命的安魂祭典时,使猿女君演出神乐,从此便成为惯例以至于今.自此以后,在宫廷中及神宫、神社的仪式和祭典中,开始使用神乐.因此神乐本应该按原始的形式流传下来,但是,因为从最初就没有正确的记谱法,以致在长时期的历史演变中,有失传者也有变形者,各地方和各神社的神乐,在内容上便出现了多少有所不同的情况.一般说来,神乐由人长,神乐人及歌人组成.在日本流传的古乐之一是雅乐.这是从中国和朝鲜传入的,其中以三韩乐传入最早,大约是在一千五百年前.日本的雅乐本来是输入的外来音乐,但中国的雅乐早已绝迹,朝鲜的雅乐经过长久年代也已变形,与此相反,唯独日本在宫廷及神宫中,保存下了当时整理成为日本式的雅乐,而且原封不动地保留了昔, 是很有以的.雅乐虽然饮食声乐,但以器乐为主.由于乐是和宫廷有关的音乐,因此不许在民间演奏.其传授方式也以一子相传为原则,并有严格的规定,即使是亲生子嗣,也必须获得正式的传授凭证,并在证人面前立下誓约书方能继承,因此其曲目也是秘传的.

      雅乐的“雅”实际上代表了整个日本邦乐的精神境界,这在一定的意义上十分类似日本茶道, 日本茶道中所追求的精神境界归纳起来有“和、敬、清、寂”四个范畴。日本邦乐同样追求这种感官的美与精神的美相融合的境界。

----“和”指“调和、平和”等,即与自然保持和谐以及人与人之间的谐和关系,这也正是自称为“大和民族”的日本民族的凝聚力之所在。所以其音乐表现出平和、中庸、自然的特点。音乐不重对立的矛盾冲突,很少戏剧冲突。

----“敬”就是“礼”,这是受到了中国儒家“礼乐思想”和佛教文化的深刻影响的结果,他们注重个人的精神修养,日本音乐中规矩的表演,一板一眼的程式化套路正是“敬”的表象,具有一种强烈的伦理主义和神秘主义的色彩。

----“清”则是“清洁”,指“心的清洁”,纯净的音乐可以洗涤、净化人的心灵。所以其音乐中音阶结构简洁,多为5声音阶,旋律质朴、少装饰,多使用单一的音色,非和声性的音乐;

----“寂”意“寂静”,它包含着清寂、暗淡、和简朴等涵义,与禅宗文化有着密切的联系。所以日本音乐总给人以“静”的感觉,以“静心”来“净心”。音乐速度大多比较慢,散板节奏多,即使是有律动的节奏,也比较简朴.

[此贴子已经被作者于2005-10-21 1:48:33编辑过]

焰色夏树 - 10/21/2005 1:40:00 AM

*****新世纪音乐最重要厂牌*****

1。Universal Records
http://www.umusic.com

环球音乐集团是世界上最大的音乐出版商之一,旗下的A&M、Decca、MCA、Mercury、Motown、Polydor等十数个厂牌都是各类音乐范畴中响当当的名字。其中,Universal Records以出版New Age及各类民族音乐而著称。旗下歌手(乐队)包括Secret Garden、Peter Gabriel等重量级的名字。

2。Real Music
http://www.realmusic.com

总部设在美国加利福尼亚,由生于伦敦的Terence Yallop在1985年创办。拥有Karunesh、Kevin Kern等二十多位签约艺人,发行七十多种专题系列唱片,在美国等四十多个国家的主流和另类乐坛均占有重要地位,它的出品是Billboard杂志的New Age排行榜上的常客,因此在过去的四年中被该杂志评为第二大New Age厂牌。

不能不听的《National Park Series》就是它的出品,其中的《Grand Canyon》更是最难于忘怀的大碟。

3。 Hearts of Space
http://www.hos.com

Hearts of Space唱片公司作为同名电台节目的相关产业,始于1984年,不久这里就诞生了New Age经典专辑:Constance Demby的Novus Magnificat,它不仅被誉为“电声在New Age音乐中的运用的标准”,还被《Pulse!》杂志评为86年最佳New Age专辑、80年代第三位New Age专辑。进入90年代,更有大量的出品屡被Billboard的Adult Alternative和World Music榜垂青。

旗下包括Hearts of Space、Hearts O’Space、World Class、Fathom和RGB五个子公司,乐手包括:Bill Douglas、John Doan、John Boswell、 MOX、D’Cuckoo’s Constance Pacheco等。

4。New Earth Records
http://www.newearthrecords.com

1990年创立于慕尼黑,现迁至美国新墨西哥州圣达菲,是欧洲最畅销的New Age和World Music音乐品牌,风格从佛教音乐到非洲土著音乐无所不及,注重音乐对人的冥想治疗和精神升华作用。

旗下艺术家包括:Jame Asher、Deuter、Al Gromer等。

5。Pacific Moon
http://www.pacificmoon.com

基于亚洲的Pacific Moon,是1986年成立的“第一章”公司(Chapter One Co., Ltd.)新近增设的一个New Age品牌,它致力于东方原始音乐与西方现代音乐的结合,专门出版亚洲地区的传统器乐演奏,旗下乐手有古筝演奏家Mizuyo Komiya、二胡演奏家贾彭方、尺八(一种日本的五孔竹笛)乐团Tone等。

6。Gourd
http://www.gourd.com

创始人Neal Hellman在80年代初热衷于美国民间音乐的洋琴演奏,他常常用货车带上自己乐队巡回演出。1987年从加州大学学习美国历史毕业后,结识了在Santa Cruz和San Jose附近拥有一间录音室的Joe Weed,成立了自己的品牌Gourd。出品一贯坚持美国乡摇或凯尔特风格,拥有Kim Robertson、Jerry Garcia、Barry等乐手。

7。Silver Wave
http://www.silverwave.com

15年前,New Age吉他手Danny Heines专辑的问世,标志着科罗拉多州专营美国本土音乐和原声世界音乐的公司Silver Wave的诞生。随后,钢琴家Peter Kater和横笛演奏家R.Carlos Nakai的几张专辑和为“Discovery”频道所作的电视原声大碟,使公司声望迅速提升。近来新墨西哥州的MTI(Music Transformations Inc.)也加入旗下。此外,它还和绿色和平组织、拯救儿童基金、国家野生动物基金会等有密切的联系。

8。Planet Earth
http://www.planetearthrec.com

1992年亚特兰大监制Tim McCabe集合了当地一些音乐家出版了一张名为Palomino Duck的专辑,通过旧金山著名的爵士电台KKSF窜红后,公司也一举成名。这一厂牌融合了Smooth Jazz和New Age的地方音乐风格。

villena - 11/4/2005 6:06:00 AM

貌似我发过类似置顶帖.....

全没了

[em06][em06]

mm这个版本新些

焰色夏树 - 11/20/2005 11:29:00 PM
爵士乐于19世纪末20世纪初诞生于美国的新奥尔良(New Orleans),它吸取了布鲁斯(Blues)和拉格泰姆
(Ragtime)的特点以丰富的切分和自由的即兴为其赢得了流行音乐"王者"的地位。爵士乐经过一个多世纪的发展已呈现出了"百花齐放"的局面,但是不了解爵士乐的朋友在欣赏这种音乐时的感觉总是觉得有点乱而且还不知该从何入手,因此无法领会爵士乐的精华所在。所以,要向开启通往爵士乐的大门,首先需要了解爵士乐的各种风格与流派以及它们的基本特点及背景;其次对爵士乐的演唱特点、乐队形式以及节奏、音阶与和声等具体因素也需要一个初步的认识。在此基础上,再进一步的去熟悉不同时代的爵士名人并分析他们的演奏(演唱)特征。通过这样?quot;分解欣赏法"将它分解之后再将其组装起来,爵士乐的面貌便一目了然了。
一、 爵士乐的分支
1、 新奥尔良爵士(New Orleans Jazz)
新奥尔良爵士是指三十年代(指二十世纪,下文中如未作注明均指二十世纪)以前的传统爵士乐,兴起于新奥尔良,盛行于芝加哥,是迪克西兰爵士(Dixieland Jazz)和芝加哥爵士(Chicago Jazz)的总称。我们所能听到的最早的爵士乐就是新奥尔良爵士,它出现于1917年(第一张爵士乐唱片诞生于1917年)。从唱片的音质上辨认,这个时期的唱片大多数都是用留声机播放的密纹唱片,音质较差,带有沙沙的噪声,并且缺乏立体感(第一批立体声唱片诞生于1958年)。从音乐形象上辨认,新奥尔良爵士讲究合奏,给人的感觉是激烈、兴奋并充满生机的。乐队编制一般为小号(或短号)一至二人吹奏主旋律,单簧管一人吹奏副旋律,长号一人吹奏固定低音,贝司(或大管)、鼓各一人担任节奏。后来又增加了萨克斯,使其从此成为爵士乐队的一大特色。新奥尔良爵士作为最早的传统爵士乐已被历史永久记载,但是作为有声爵士乐的源头,如今听起来还是别具一番风味。
代表人物及乐队:
“正宗迪克西兰”爵士乐队(Original Dixieland Jazz Band)
查尔斯·博尔顿(Charles Bolden,1868~1931,擅长乐器:短号)
杰利·罗尔·莫顿(Jelly Roll Morton,1890~1941,作曲家,擅长乐器:钢琴)。
金·奥利佛(King Oliver,1885~1938,擅长乐器:短号)
西德尼·贝彻(Sidney Bechet,1897~1959,擅长乐器:高音萨克斯、单簧管)
路易斯·阿姆斯特朗(Louis Armstrong,1901~1971,歌手,擅长乐器:小号)
比克斯·贝德白克(Bix Beiderbecke,1903~1931,擅长乐器:短号)
范茨·沃勒(Fats Waller,1904~1943,歌手、作曲家,擅长乐器:钢琴)
基德·奥赖(Kid Ory,1886~1973,擅长乐器:长号)

2、 摇摆乐(Swing)
摇摆乐盛行于三十年代,经常采用20~30人的大乐队(Big Band)形式,因此三十年代又被称为爵士乐历史上的大乐队时期。从音乐上分析,摇摆乐最明显的特征是让你一听便想随之舞动的摇摆节奏( )。所以摇摆乐被认为是当时最好的伴舞音乐。摇摆乐的乐队一般都由萨克斯、铜管和打击乐等几个部分组成,按谱演奏不同的声部。从音响上分辨,铜管乐的明亮音色以及大乐队的庞大气势,让人一听便能认出这就是摇摆乐。
代表人物:
弗莱切·亨德森(Fletcher Henderson,1897~1952,编曲,擅长乐器:钢琴)
本尼·古德曼(Benny Goodman,1909~1986,擅长乐器:单簧管)
贝西伯爵(Count Basie,1904~1984,擅长乐器:钢琴)
科尔曼·霍金斯(Coleman Hawkins,1904~1969,擅长乐器:次中音萨克斯)
格伦·米勒(Glenn Miller,1904~1944,擅长乐器:长号)
奈特·金·科尔(Nat King Cole,1919~1965 ,歌手,擅长乐器:钢琴)
莱奥纳尔·汉普顿(Lionel Hampton,1909~ ,擅长乐器:颤音琴)
莱斯特·扬(Lester Young,1909~1959,擅长乐器:次中音萨克斯)
比莉·霍利迪(Billie Holiday,1915~1959,歌手)
艾拉·菲茨杰拉德(Ella Fitzgerald,1918~1996,歌手)

3、 比博普(Bebop)和硬博普(Hard Bop)
比博普出现于四十年代,它强调和声变化和个人即兴。可以用六个字来概括比博普的艺术标准,即"高技术、快速度"。比博普乐手们凭着极高的演奏技术,极力地张扬自己的音乐个性以此来体现他们的个人意识。从乐队编制上看,通常由3~6名乐手组成,每位乐手经常有意识或无意识的对和声、调性进行大胆的尝试和改革。因此,比博普乐曲的和声往往是爵士和声中分析和研究的主要对象。比博普给人的第一映象总是各种乐器在不断地、交替地做着快速的即兴独奏(Solo),让人越听越兴奋。
硬博普出现于五十年代,是比博普的延续,由于盛行于美国东海岸一带,所以又称“东海岸爵士”(East Coast Jazz)。从音乐上看,它与比博普没有太大区别,只是在比博普的基础上变得更加狂放和自由了。
代表人物:
查理·帕克(Charlie Parker,1920~1955,作曲家,擅长乐器:中音萨克斯)
迪齐·吉列斯匹(Dizzy Gillespie,1917~1993,作曲家,擅长乐器:小号)
塞洛纽斯·蒙克(Thelonious Monk,1917~1982,作曲家,擅长乐器:钢琴)
索尼·罗林斯(Sonny Rollings,1930~ ,擅长乐器:次中音萨克斯)
阿特·布雷基(Art Blakey,1919~1990,鼓手)
比尔·伊文斯(Bill Evans,1929~1980,作曲家,擅长乐器:钢琴)
埃尔文·琼斯(Elvin Jones,1927~ ,鼓手)
索尼·斯蒂特(Sonny Stitt,1924~1982,擅长乐器:中音萨克斯、次中音萨克斯)
奥斯卡·彼得森(Oscar Peterson,1925~ ,擅长乐器:钢琴)
查尔斯·明戈斯(Charles Mingus,1922~1979,作曲家,擅长乐器:贝司)

4、 冷爵士(Cool Jazz)
冷爵士出现于四十年代末,盛行于五十年代,是一种柔美的爵士乐风格。由于集中在美国西海岸,故又称“西海岸爵士”(West Coast Jazz)。对于冷爵士可以用八个字来概括,即“温馨、典雅、舒缓、放松”。从演奏形式上看,冷爵士有点类似于古典音乐中的室内乐,乐队一般由3~6名乐手组成,其中最典型的是由钢琴、贝司、鼓组成的爵士三重奏。萨克斯、小号、颤音琴等乐器也经常在冷爵士中作为主奏乐器出现。从音响上分辨,冷爵士总是给人一种松弛、悦耳的感觉,每种乐器互不干扰"点到为止"。冷爵士的另一特色体现在鼓的演奏技巧上,鼓手一般都用钢丝制成的鼓刷进行演奏,对音色的控制极为细腻。因此,成千上万的酒吧、咖啡厅里至今仍然以冷爵士作为背景音乐洗尽尘世的喧嚣,为人们提供着清新自然的"柔美之音"。
代表人物:
迈尔斯·戴维斯(Miles Davis,1926~1991,作曲家,擅长乐器:小号)
戴夫·布鲁贝克(Dave·布鲁贝克,1920~ ,作曲家,擅长乐器:钢琴)
切特·贝克(Chet Baker,1929~1988,擅长乐器:小号)
盖瑞·穆里根(Gerry Mulligan,1927~1996,作曲家,编曲,擅长乐器:上低音萨克斯)
吉尔·伊文斯(Gil Evans,1912~1988,作曲家,编曲,擅长乐器:钢琴)

5、 自由爵士(Free Jazz)
自由爵士出现于六十年代,一批先锋派乐手使爵士乐达到了一种“无法之法乃为至法”的境界。他们反对以往爵士乐的一切传统,采用惊人的自由调性,犹如现代派音乐中的机遇音乐和偶然音乐,极力地破坏音乐的结构和调性,引进意外因素。从乐队编制上看,自由爵士和以往的爵士乐没有太大的区别,最大的差别在于他们的演奏是完全自由的,美学标准是抽象的。从表面上看显得杂乱而无序,但是内在的和声结构却是十分严谨的,乐手之间的合作精神是自由爵士最重要的技术依托。
虽然自由爵士将爵士乐推向了一个极高的思想境界,但是由于它那极难理解的音乐形象和美学标准,最终使它只能成为专业人士探讨和分析的对象而与普通听众无缘。
代表人物:
奥内特·科尔曼(Ornette Coleman,1930~ ,作曲家,擅长乐器:中音萨克斯)
约翰·科尔特兰(John Coltrane,1926~1967,作曲家,擅长乐器:次中音萨克斯)
埃里克·杜菲(Eric Dolphy,1928~1964,擅长乐器:中音萨克斯、长笛)
塞西尔·泰勒(Cecil Taylor,1929~ ,擅长乐器:钢琴)
罗兰德·科克(Roland Kirk,1936~1977,擅长乐器:中音萨克斯、长笛、单簧管、小号)

6、 拉丁爵士(Latin Jazz)
拉丁音乐与爵士乐的结合早在三十年代就开始了,但是拉丁爵士真正的盛行则是在六、七十年代以后。拉丁爵士的特点是在爵士乐的基础上融入了大量的打击乐器,同时也将复杂的拉丁节奏渗入到爵士乐之中。从乐队上看,除了爵士乐原有的乐器之外,像康加鼓、邦戈鼓、沙锤、牛铃等打击乐器成了乐队的重要配置。从节奏上看,各种复杂的拉丁节奏(如曼波、探戈、伦巴等)和爵士乐的结合使其呈现出更加丰富的节奏色彩。其中以兴起于巴西波萨诺瓦(Bossa Nova)最为典型。
波萨诺瓦是曼波(Mambo)与冷爵士融合的结果,同时也吸取了一些桑巴(Samba)音乐的特点。它的音响效果不喧闹,给人的直觉好像是歌手与听众聊天时的窃窃私语。波萨诺瓦的旋律性不强,而且带有很多的变化音,但是它那典型的节奏型( )却在流行音乐中被广泛的得到运用。因此说拉丁爵士的吸引力主要来自于丰富的节奏律动。热情奔放的拉丁人民用他们的聪颖和智慧为爵士乐增添了一道带有热带风情的异域之景。
代表人物:
斯坦·盖茨(Stan Getz,1927~1991,擅长乐器:次中音萨克斯)
乔安·吉尔巴托(Joao Gilberto,巴西人,擅长乐器:吉他)
阿斯特鲁德·吉尔巴托(Astrud Giberto,巴西人,歌手)
安东尼·卡洛斯·乔宾(Antonio Carlos Jobim,巴西人,擅长乐器:钢琴)
查理·拜尔德(Charlie Byrd,擅长乐器:吉他)
巴顿·鲍威尔(Baden Powell,擅长乐器:吉他) 7、 融合爵士(Fusion Jazz)
融合爵士兴起于七十年代,是爵士乐的分支之一。只要你有足够的创新意识和胆量,任何音乐都可以成为爵士乐的调料。如今所谓的融合爵士一般是指在爵士乐的基础上融合了摇滚乐、世界音乐等成分,同时也融进一些流行音乐元素的爵士风格。因此,融合爵士给人的感觉是既新鲜又流行,而又不失爵士乐的色彩。从乐队上看,融合爵士打破了传统爵士乐队一直以原声乐器为主体的原则,它大量的使用电声乐器和电子乐器,使其更具现代气息。比如用电贝司代替原声贝司,用电子合成器代替钢琴,电吉他使用效果器(传统爵士乐一般不使用使用效果器)等做法都是一次大胆的创新。从节奏形态上看,融合爵士经常加强鼓和贝司的力度,制造出奔腾不息的节奏律动,钢琴和吉他也从原来演奏旋律声部转变为节奏乐器。这种不规则的低音线条,疯狂的贝司击弦,厚重的摇滚节拍加上爵士乐的规则,有时又被称为爵士放克(Jazz Funk)。总之,融合爵士的电气味重了,流行味浓了,因此被人接受的可能度也就大了。
代表人物:
迈尔斯·戴维斯(Miles Davis,1926~1991,作曲家,擅长乐器:小号)
赫比·汉恩考克(Herbie Hancock,1940~ ,作曲家,擅长乐器:钢琴)
奇克·考瑞阿(Chick Corea,1941~ ,作曲家,擅长乐器:钢琴)
韦恩·肖特(Wayne Shorter,1933~ ,作曲家,擅长乐器:次中音萨克斯、高音萨克斯)
约翰·麦克劳林(John Mclaughlin,1942~ ,擅长乐器:吉他)
鲍勃·詹姆斯(Bob James,擅长乐器:钢琴)
戴夫·万科尔(Dave Weckl,鼓手)
8、 酸爵士(Acid Jazz)
酸爵士兴起于80年代末,它将爵士乐与嬉蹦乐(Hip-Hop)结合到了一起,使其更加流行化、商业化。从乐队上看,它经常采用嬉蹦乐的编曲模式,DJ的"刮擦"技术在从中得到了大量的体现。在嬉蹦乐的乐队基础上萨克斯、小号等爵士乐中常见的乐器以音乐背景的形式作即兴演奏。这种爵士乐很大程度上已经失去了爵士乐的个性。其实从某种意义上讲,它只是唱片商进行商业运作的一种手段而已。他们用爵士乐当诱饵,目的只是为了赢得更多的听众和从中获取更大的商业利益。
代表人物:
吉尔斯·彼得森(Giles Peterson,DJ)
US3乐队
罗伊·埃尔斯(Roy Ayers,擅长乐器:颤音琴)

二、 爵士乐中的常用乐器
爵士乐的兴起为流行乐坛建立了一批又一批的精英乐手。在爵士乐队中每个人都是乐队的主体,其中也包括歌手。其实在真正的爵士乐中,歌手就相当于一件人声乐器,同其他乐器一样所担任的是其中的一个声部。所以说爵士乐手或歌手必须建立起良好地合作意识,乐队中的每件乐器(包括人声)并不是谁为谁服务、谁为谁伴奏的概念,而是如何通过合作使自己的存在价值得到体现。由此可见,要想进一步的理解爵士乐,必须对爵士乐的乐队形式、乐队中的常用乐器以及它们的演奏特点要有一个初步的了解。
爵士乐的乐队形式大致上可以分为小乐队和大乐队两种,其中小乐队以钢琴、贝司、鼓构成的爵士三重奏最为常见,当然也会加入一些其他乐器;而大乐队主要以铜管和萨克斯管为主体,贝司和鼓一般都是乐队必不可少的乐器,在此基础上,大乐队还会配置一些吉他、钢琴和颤音琴等其他乐器。由于每个乐队的实际情况不一样,所以,任何一种乐器都有可能结合到一起。下面就爵士乐中最常用的乐器作一简单介绍。

1、 钢琴(Piano)
钢琴不但在古典音乐中处于"王者"的地位,在爵士乐中也不例外。钢琴音域宽广,演奏技巧十分丰富,可自如地弹奏歌中音阶、半音阶、双音、和弦以及各种复杂的织体。爵士钢琴的演奏特点大致上可以分为四种:第一种是"大跨度"奏法,即演奏时左手采用连续的大跳进行,形成个性鲜明的"大跨度低音"(Stride Bass),这种奏法在拉格泰姆以及早期爵士乐中经常出现。第二种是"布吉-乌吉"(Boogie Woogie)奏法,它是一种快速的布鲁斯钢琴风格,对爵士钢琴有着很大的影响。"布吉-乌吉"经常采用"滚奏"(Crushing)来体现它的特征。另外,它还经常以左手持续弹奏固定低音来衬托右手复杂的旋律。"布吉-乌吉"的低音音型主要有"行进"(Walking)的八度低音分解和
“双音”反复两种形式。例:
“行进”的八度低音分解 5 5 b3 2 | 1 1 b7 5 |
“双音”反复
第三种是“博普”奏法,它的特点是节奏支离破碎,旋律很不连贯,有时右手不时的连续奏出一连串单音音符。由于它根据比博普爵士发展而来,因此而得名。另外一种爵士钢琴其实称不上演奏方法,但是在速度较慢的爵士乐中(如冷爵士)经常出现而独成一派。它的特点是采用完整或相对完整的和弦在二分或更长时值的基础上不时的加入一些切分,以此体现出慢爵士的松弛感。

2、 贝司(Bass)
贝司是乐队中一般必不可少的乐器之一,它在爵士乐队中主要担任低音声部,有时也作即兴独奏。传统爵士乐一般都采用原声贝司(即低音提琴)来体现它的原始风味。而在现代爵士乐(特别是融合爵士)中经常运用电贝司或电子合成器中的合成贝司音色来增加它的现代感。"行进贝司"(Walking Bass)是爵士乐中最有特色的一种演奏方式,即在稳定的节奏基础上作和弦分解进行。进行方式既有上行分解,又有下行分解,也有上下行交替的分解。例:
上 行 分 解 5 7 2 4 | 5 6 b7 7 |
下 行 分 解 1 b7 5 3 | 1 b7 5 3 |
上下行交替分解 1 3 5 b7 | 1 5 3 1 |
由于这种进行方式像行军中的行进步伐,因此而称“行进贝司”。

3 、架子鼓(Drum)
架子鼓是爵士乐队中十分重要的一种无音高打击乐器,它通常由一个脚踏的低音大鼓(Bass Drum,又称"底鼓")、一个军鼓、二个以上嗵嗵鼓(Tom-Tom Drum)、一个或两个吊镲(Ride Cymbal)和一个带踏板的踩镲(Hi-Hat)等部分组成。鼓手用鼓锤击打各部件使其发声。爵士乐中常用的鼓锤有两种,一种是木制的鼓棒,另外一种是由钢丝制成的钢丝刷。在乐队中鼓手掌握着乐曲的速度和节奏等重要环节,尤其是在爵士乐中,鼓手特别需要与其他乐手保持良好的合作状态,比如"切奏"时鼓手的干净利落就在其中起着很大的决定作用。另外在爵士乐中,鼓音色的控制、力度的控制以及速度的控制都是体现鼓手技巧的重要因素。

4、 萨克斯(Saxophone)
萨克斯是爵士乐中最常用的乐器之一,音域可达二个八度以上(不到三个八度)。常见的萨克斯有五种,它们是:bB调的高音萨克斯(Soprano sax)、bE调的中音萨克斯(Alto Sax)、bB调的次中音萨克斯(Tenor Sax)、bE 调小低音萨克斯(Baritone Sax)和bB调低音萨克斯(Bass Sax),它们的演奏技巧和音色特点基本相同。其中,在爵士乐中以中音萨克斯和次中音萨克斯最为常用。萨克斯能自如地演奏音阶、半音阶、音程跳进、分解和弦以及装饰音。中音和次中音萨克斯可以通过气息控制使其形成很大的力度对比,可以从ppp fff或fff ppp。在爵士乐中萨克斯经常担任旋律声的吹奏,在大乐队中还可以用不同调的萨克斯组成萨克斯组吹奏不同的声部。

5、 小号(Trumpet)
小号是爵士乐中最常用也是最早采用的铜管乐器之一,音域可达三个八度。小号可以自如地吹奏八度以内各种音程的跳动,也可以 自如地演奏音阶、半音阶以及分解和弦。快速演奏时,上行的连音比下行连音自如,所以在爵士乐中听到的快速上行连音比下行连音要多。有时为了音色的需要,小号可以使用弱音器来改变它的音色。按上硬音弱音器后,音色变得沙哑而略带金属色彩;软音弱音器可以软化小号的音质,使其音色接近于木管乐器。
* 短号(Cornet)
短号与小号同音高,演奏技巧也基本相同。它们之间不同的只是短号的发音管比小号粗而短,音色略比小号宽而柔。短号和小号在爵士乐中经常担任旋律声部。

6、 长号(Trombone)
长号在爵士乐中主要出现在大乐队中,担任低音声部,有时也吹奏对位节奏和主旋律形成呼应。由于长号依靠发音管的伸缩来控制音高,所以在演奏上不如其他铜管乐器灵巧。长号又是一种耗气量较大的乐器,在演奏强音时,一般吹奏一个二分音符就需要换气。同时长号没有变音活塞装置,演奏连音时往往显得不够连贯。所以,长号经常以短音或长音后马上休止的形象出现在爵士乐中。

7、 单簧管(Clarinet)
单簧管是爵士乐中最常用的木管乐器之一,它的音域较宽,可达三个八度以上。单簧管可以自如地演奏音阶、半音阶、音程跳动和弦分解以及装饰音,还善于演奏各种、级进的或分解和弦的连音音型。它的音量变化幅度较大,可从ppp fff ppp。单簧管在爵士乐中经常担任副旋律声部,有时也作独奏乐器使用,吹奏主旋律。

三、爵士乐中的其他因素
以上我们了解了爵士乐的各种分支和爵士乐中的常用乐器,除此之外,爵士乐还具有以下特征:
爵士乐的演唱利用无意义的“衬词”在即兴的规则下形成了风格独特爵士唱法(详见 )。
爵士乐的节奏与一般流行音乐不同的是它大量的采用了切分和三连音以及改变重音位置的方法,形成了与众不同的律动效果。爵士乐的切分节奏复杂多样,特别是跨小节的连续切分经常将原有的节奏整小节移位,造成一种飘忽不定的游移感。例: 爵士乐中的三连音节奏除了八分三连音之外,像四分三连音、二分三连音以及各种三连音加连线的节奏也会经常出现。例;
四分三连音
二分三连音
三连音加连线
爵士乐的第三种节奏特点是利用改变重音位置使原来固有的节奏律动产生临时的转变,例:
原来的4/4拍节奏经改变后变成了3/16拍。
爵士乐的旋律经常采用布鲁斯音阶( 1 2 b3 3 4 5 6 b7 7 )来形成它的特点,有时还在布鲁斯音阶的基础上增加#4和其他一些变化音,使其变得更加丰富多彩 。
爵士乐的和声比流行音乐和声要复杂得多,它以七和弦为基础,并且大量的运用扩展音(如:9音、11音、13音)和替代和弦,有时还经常出现连续的下行纯五度副属和弦进行,使其呈现出丰富多彩的和声效果。
即兴是爵士乐手(或歌手)必练的演奏(或演唱)技巧之一 ,根据规定的和声走向,利用丰富的节奏变化,爵士乐的风采尽在你的掌握之中。
总之,要想真正的理解爵士乐的真谛,不是几篇文章或几笔文字就能解决的。真正的爵士乐是心灵的感应,是耳膜的净化,是灵魂与躯体的碰撞。它的激情,它的狂放,它的柔和,它的含蓄,一切都是如此的完美,一切又是那么的抽象。
焰色夏树 - 11/20/2005 11:29:00 PM
爵 士 起 源

    起初(1860年)~(1900年)从非洲来了很多奴隶,奴隶们获得了自由,此后不足数载,他们就独创出自己的音乐,名曰爵士乐。每一种艺术的创生都有自己的神话,爵士乐的神话来自非洲。它起源于贫困。1865年,美国内战宣告结束,往日的奴隶们获得了人生自由,他们多数是文盲,生活依然贫困潦倒,唯有靠自己故土培植出的音乐自娱自乐,劳动号子和农田歌曲是采摘棉花或筑路时唱的,赞美诗和圣歌是种族隔离的教堂里或是在教堂聚会时唱的,吟游调子是在帐篷里或歌舞杂耍的巡回演出中唱的,而即兴之作则是独唱歌手们在一只简陋的卓琴或小提琴的伴奏下吟唱的。所有这些类型的歌曲以及更多的歌声响澈南部诸洲。显然,音乐本身没有肤色之辨。吟游歌手们最初都是白人,他们将脸孔涂黑,模仿并歪曲黑人音乐家的演唱;乡村里贫困的白人乐手表演的,往往来自欧洲的民谣和说法语的路易斯安娜洲所独有的移民音乐。在教堂里黑人牧师们在宗教集会上借用了英国的惯例,即采用一种名为“领唱”的技巧反复吟诵两到三行圣诗,以此解决人们不识字的问题。最初这种音乐完全以人声吟诵,极少有乐器伴奏。然而内战结束,士兵们复员回乡后,有价格相当便宜的军乐可利用;自1830年代起,行军乐团在南部诸洲处处可见,当年能参加乐团的人固然有限,但是到了这时候更多的人得以自行演奏。器乐演奏行列的壮大意味着黑人音乐的日臻成熟。20世纪初,一种斩新的音乐形式已经准备停当,行将问世了,当时它被命名为拉格泰姆----此时,爵士乐的故事尚未开始。

拉 格 泰 姆 音 乐

    黑人古典音乐起源拉格泰姆音乐。若非拉格泰姆音乐的出现,爵士音乐的面目将和当今截然不同,而且一代一代的钢琴演奏家们会蒙受巨大的损失-----损失许多音符。在1865年的,美国内战宣告结束,往日的黑奴们获得了人身自由。日益壮大的黑人中产阶级中拥有钢琴、能够弹奏,而且一心想要创造美国古典音乐的人的作品。拉格泰姆歌曲----《枫叶拉格》是1899年最广为流传的。由于这种音乐在新奥尔良和美国其他南部重镇风行一时。拉格泰姆音乐中最杰出的黑人音乐家----斯考特.乔普林,他希望将该音乐风格转换为美国第一流的音乐。他的作品有《尊贵来客》、《特里蒙尼莎》等。事实上,美国本土的较为高尚的、还有那些高贵与低贱血统的混血儿、所谓过分正经的人对这种咕哝呻吟的乐曲并不感兴趣。在他全心全意创作拉格泰姆音乐的同时,这种音乐很快在消失,一方面这种音乐被流行音乐界采纳,另一方面归入了通俗、更追求享乐的爵士乐。因此,它对流行音乐与爵士音乐在节奏跳跃上都有贡献,这种跳跃为切分音符。在当时流行音乐里缺少了切分音符将呆板到极。拉格泰姆音乐也给钢琴爵士乐们开创了事业,留下了不可磨灭的文化遗产。随之而后才出现了一系列的黑人古典音乐----爵士音乐,爵士音乐的故事就开始了......


* 原声爵士乐(Acoustic Jazz)    

    没有用电声扩音的爵士乐,不过他的音色早已稍许提高了一点。原声乐器演奏的乐曲有别于电声处理的乐曲。

* 拉弓(Arco)  

    用弓弦演奏贝斯或其他弦乐器的技巧。

* 小节(Bar)  

   节拍组的基本单位;乐手们谈论每小节演奏三拍还是无论多少拍。

* 节拍(Beat)  

    衡量节奏搏动的单位。几个节拍组织成一个小节后,会格外突出其中某一个或多个节拍。

* 蓝调的音调(Blue notes)    

    低调处理主要音阶中的第三、第五或第七音符,以便增强音乐的表现力,这种技巧为爵士乐和蓝调的典型特色。

* 蓝调(又译作布鲁斯[Blues])    

    美国黑人的传统音乐形式,他的出现早于爵士乐,彼此之间互有影响。一曲蓝调的主题乐结构为12个小节---当爵士乐手们说“我们来演奏蓝调吧”,指的就是12小节的结构,而非某一演奏风格。尽管我们常提及16小节和32小节蓝调,但他们实际上哪里是蓝调啊!

* 布吉伍吉爵士乐(Boogie Woogie)    

    20年代风行一时的钢琴演奏风格,40年代再次焕发青春。其特色为左手平稳地重复弹奏八个音符的变格,被用右手弹奏的旋律覆盖。

* 博普爵士乐(Bop)    

    也称比博普,40年代发展起来的一种突破性的爵士乐,独奏是在第一流的和弦变化基础上即兴发挥。

* 转调(Changes)    

    指出爵士乐的即兴发挥基础上,连贯相继的和弦一个弦进至另一个和弦。转调意味着构成某一部乐曲的不同和弦之间存在着特定的次序。

* 和弦(Chord)    

    自然和谐地演奏出至少三个不同的音符,以便创立一个和音。琶音和弦是指以上升或下降的顺序演奏音符。和弦是和音的基础。

* 主题乐段(Chorus)    

    转调过程中的单一陈述,乐曲以主题乐段为根本。独奏转调时,往往是长久地演奏许多主题乐段。

* 循环呼吸(Circular Breathing)  

     向吹奏乐器的吹口中送气,为了气流不间断,并且不因呼吸打断一组音符的连贯性,乐手通过鼻子呼吸。

* 冷爵士乐(Cool jazz)    

    50年代对抗博普乐而产生的爵士乐形式,他更重视音乐的整体结构,而非即兴发挥,以约束情感和低缓忧郁的表演为特色。与美国西海岸息息相关。

* 复调(Counterpoint)    

    两段或两段以上相关但又有区别的旋律的自然组合。

* 迪西兰德爵士乐(Dixieland)    

    白人乐手演奏的早期新奥尔良爵士乐。

* 自由爵士乐(Free jazz)    

    自由爵士乐是在50年代末发展成型,他摒弃了传统保守的节奏、和声以及旋律构成,追求更广阔地自我表演空间。

* 乡土爵士乐(Funk)    

    为了对抗冷爵士乐,50年代乡土爵士乐在蓝调的影响下诞生了,采用的是强有力的节奏和乡土气息的主旋律。爵士乐术语中所谓的“乡土乐”,早在与之全然不同的灵歌音乐中的乡土乐出现许多年以前已然问世了。

* 融合爵士乐(Fusion)    

    混合了两种或两种以上音乐形式的爵士乐,爵士摇滚 就是如此。

* 特约演奏(Gig)    

    爵士乐现场演出。

* 硬博普乐(Hard bop)    

    50个年代博普乐的一大进展,情感更加深沉,蓝调影响更多于原始博普乐的影响。

* 和声(Harmony)    

    乐律相关的音符---通常是指同一音阶或同一调的音符---在一起和谐自然地发挥;他与节奏、旋律合称爵士乐的主要组成部分。

* 即兴乐(Improv)    

    即兴演绎的音乐形式,其创作灵感并非仅仅依赖于爵士乐。

* 即兴演绎(Improvisation)    

    未经事先深思熟虑、自由演绎的旋律发展。或者完全自然天成,或者由某一部早已有之的乐曲旋律、和声或节奏演变而来。短小的独奏和全篇乐曲都可以即兴演绎:关键是自然。

* 连奏乐段(Legato)    

    流畅.与段奏乐段截然相反,后者音乐是断断续续的。

* 主流(Mainstream)      

    自20年代至今的经典、中间大路、未加电声处理的爵士乐。最初诸如博普乐、自由爵士乐和莫达尔(Modal )爵士乐这样的革新化演奏风格甫一问世时,并不包括在主流音乐之中,但随着时光流逝,主流也向革新风格作出了一些让步。

* 莫达尔爵士乐(Modal)    

    50年代末发展成型的音乐形式,他是在一连串音阶或调式上作文章,而不是在和弦上即兴发挥;其中诸多调式应该是西方音乐中家喻户晓的音阶,或是比较深奥、历史悠久的调式。

* 现代派演奏者(Modernist)    

    这一术语大约用于过去的30年间,用来定义那些对现代爵士乐的所有形式都十分关注的乐手们;他们具有高瞻远瞩的目光,绝非鼠目寸光之徒。

* 音高(Pitch)    

    音符的位置,及音符的高低。

* 拨奏(Pizzicato)  

    手指演奏低音提琴等弦乐器的技巧。

* 复合节奏(Polyrhythm)    

    两个或两个以上彼此冲突的节奏同时演奏。

* 拉格泰姆乐(Ragtime)    

    爵士乐问世之前出现的一种切分音乐曲或称粗劣参差的音乐。

* 节奏(Rhythm)    

    音乐或强或弱、或长或短的节拍的组织。节奏是爵士乐与众不同的特色之一。

* 即兴重复段(Riff)    

    经多次反复演奏的短小、易上口的乐曲,或优美或富于节奏感。

* 音阶(Scale)    

    以或上升或下降的顺序排列一组音符的组织形式。

* 拟声唱法(Scat)  

    模拟乐器即兴演奏的一种歌唱方式。

* 灵歌爵士乐(Soul jazz)    

    60年代在硬性爵士乐基础上发展而来、源于福音歌的爵士乐。

* 演出必备的流行音乐(Standards)  

    流行歌曲,许多出自音乐片,是爵士乐的即兴演奏的基础。

* 跨跃弹奏法(Stride)    

    30年代的钢琴演奏风格,因演奏者左手跨跃的动作而得名。

* 摇摆舞曲(Swing)    

    乐手在常规节拍与强调音之间设置的张力,或在那个常规节拍之前,或在其后,摇摆乐曲在二、三十年代发展成型,不过所有的爵士乐都有这种摆动,那是古典音乐所未有的。

* 音质(Timbre)    

    乐器或人的声音的音调或音色。

* 传统爵士乐(Traditional jazz)    

    最初用于界定新奥尔良爵士乐,将他和摇摆舞曲区分开来。此后,传统爵士乐又用来描述40年代新奥尔良音乐和迪西兰德爵士乐的复生,以及50年代末英国模仿的爵士乐。


* 颤音(Vibrato)    

    通过迅速而轻微地颤动音调的音高,产生丰富的音调色彩。
华月X艳 - 12/19/2005 6:31:00 PM

好多。。。。好多。。。看得眼睛都累。

这些也就只能给刚刚接触的人看而已,说直了,就是骗新手。

慢慢感觉吧!!要求不多,能找到自己喜欢的就行了

[em04]
焰色夏树 - 12/19/2005 6:50:00 PM

楼上说的是啊,其实我也没看多少,音乐不是看懂的,感觉最重要。即使是不了解其类型也没关系。

发这个是想大家做个参考,需要的时候方便查找

[em08]
焰色夏树 - 12/21/2005 7:49:00 PM

几个名词注解:

单曲(Single)

通常是一首比较好听的歌曲,为了扩大影响,这首歌曲被乐队和唱片公司挑出来单独发行。通过电台和电视台的反复播放,吸引歌迷购买单曲唱片,单曲的销售量排名就成了单曲排行榜(chart),这无形中反映了某首歌曲在一定时间内的流行程度,同时为乐队带来了好名声。这种专为上排行榜的单曲同时也叫做hit,就是热门歌曲的意思。不过对于重金属来说,能登上排行榜的单曲不算很多,能得到好名次的更少(除了那些煽情的慢歌),这毕竟是一种喧闹的音乐,不是每个人都受得了的。

专辑(Album)

现代音乐最主要的发行方式,通常由3-15首歌组成,长度大多在12到74分钟之间(不排除例外)。专辑中的歌曲顺序一般来说应该是经过慎重考虑的,按照这样的顺序听下来,整张专辑给人的感觉会超过简单的歌曲总和,也就是整体大于局部总和的意思,尤其是概念专辑(conceptual album)。

大碟(CD/LP)

专辑通常有两种,一种更为正式,收录的歌曲较多(10首?),时间较长(40分钟?),能够让歌迷一次过足瘾,而音乐家在上面花的心思也更多一些。象这种正式和规矩的专辑就称为大碟,或者干脆就叫专辑。80年代以前专辑的主要发行方式是胶木唱片和磁带(Cassette),其中胶木唱片更适合于收藏,而90年代之后CD成为更为主要的介质。所以大碟通常就是LP,但现在也渐渐用CD来称呼了。

细碟(MCD/EP)

也就是小专辑,一般有3-7首歌(当然也可能更多),时间也比较短,通常在15-20分钟左右。它是一种较不正式的专辑,乐队有了几首成熟的作品,需要及时推出,但又够不上一张大碟的数量,所以就发行这种细碟,当然也可能纯粹就是为了赚点外快。它的价格介于单曲和大碟之间。为了使细碟更具有吸引力,乐队有时会在细碟上放一些较为罕见的歌曲,如现场或翻唱歌曲。作为一支摇滚乐队来说,大碟是不可缺少的,细碟就属于可有可无的东西了。在胶木唱片时代这种细碟叫做EP,现在当然就叫MCD了。

私制唱片(Bootleg)

这是一种更不正式的唱片了,而且根本就不是合法的东西。它是由歌迷自己在现场用录音机或摄象机偷偷录制的,也有的是乐队未发表的录音室作品被偷出后翻制的,这种私制唱片通常制作粗糙,但也不乏精品。在国外,这种私制唱片具有相当的市场,因为这种唱片中的歌曲版本一般是无法从正式渠道获得的。一些老牌乐队如AEROSMITH,IRON MAIDEN,METALLICA的私制唱片是最多的。有时极少数效果很好的bootleg也会被乐队看中,拿来改编后进行正式的发行。

小样(Demo)

乐队自己录制的样带。地下乐队在签约前,自己掏钱录制这样的小样,然后灌制成磁带或CD,进行地下发售或者送到唱片公司和电台以期获得注意。有些乐队的小样录制得非常精致(这要看乐队的设备和录制水平),完全可以作为收藏品了。

处女作(Debut)

debut这个单词很难用一个中文词来解释,因为它可以指任何活动的第一次。如第一张专辑叫debut album,第一次演出叫debut show,第一次巡演叫debut tour,甚至第一次在美国露面叫American debut。

小型演出(Gig)

通常指在酒吧或俱乐部举行的规模很小的现场演出,一般地下和半地下乐队是很难有机会在大型体育馆或剧院进行演出的,所以这种gig成为他们展示自己音乐才华的主要方式。当然,如果乐队有一定影响的话,通过这种演出也可以从酒吧老板那里拿到一定数量的报酬,一般是足够基本生活开支了。

演唱会(Concert)

指具有一定规模的现场演出,如果乐队没有足够的歌迷支持,是不可能举办这样大规模的演唱会的,因为租借一个象体育馆或剧院这样大的场地通常需要一定的金钱和名声。演唱会可以说是摇滚乐手最激动人心的时刻,能在数以万计的歌迷面前演出,这本身就是一件非常有满足感的事情,何况还有非常可观的门票收入(当然,也有不少大型演出是免费入场的)。演唱会对于歌迷来说则是一个狂欢的节日,大多数金属乐迷都会认为一场精彩的演唱会比disco更来劲得多。

巡回演出(Tour)

典型的摇滚生活方式不可缺少的一部分。乐队和技术人员搭乘着各种交通工具,从一个城镇转移到另一个城镇,为当地的乐迷带去精彩的现场演出。这通常也是一种为专辑促销的方法,不过对于乐队来说,能够周游各地,也是一种难得的体验。巡演是一种非常需要体力的劳动,因为它往往耗时漫长,有时乐队只好在飞奔的汽车上睡觉,还得自己动手搬运器械,所以不少乐队都写过关于巡演残酷程度的歌曲(就象MEGADETH的Killing Road)。为了扩大巡演声势,通常会有几支风格类似的乐队联合起来一起进行巡演,例如90年代初著名的Thrash Metal巡演Clash Of Titan(包括ANTHRAX,SLAYER,MEGADETH等)。

音乐节(Festival)

在某个主题的号召下,很多乐队集中到一起,在数天的时间里为歌迷带来一系列演出,这是名副其实的节日。这种音乐节经常是露天的(outdoor),因为可以不受场地限制,接纳尽量多的歌迷。不少乐队在音乐节上表现出众而一举成名,象著名的重金属音乐节Monsters Of Rock,重金属乐队纷纷以参加这个音乐节而自豪,如果能够在这个音乐节上摘得头牌交椅,那乐队的地位无疑就已经是超级明星了。不过历史上最有影响力的摇滚音乐节还是非1969年的Woodstock莫属。

什么是B-Side?

B-Side这一称谓源自胶木唱片时代,当时唱片公司发放给电台的唱片称之为A-Side,A-Side为打榜歌曲。而胶木唱片还有一个面(B-Side),不用白不用,于是就刻上另一首不太重要的作品。进入CD时代后,Single这种唱片模式被保留了下来,CD唱片只有一个面,但在Single唱片之中仍收录了一首至几首不重要的作品,这类作品沿用了旧时代的称谓,称为B-Side。

single和EP的区别

SINGLE一般是拿来打榜的,里面的歌貌似有多首,实则一般都是主打歌的多个混音版.EP里的歌多为艺人较罕见的作品,比如B-SIDE.

[此贴子已经被作者于2005-12-21 19:52:41编辑过]

ICC - 1/18/2006 4:20:00 PM
哇.无敌了,长见识
焰色夏树 - 2/28/2006 2:20:00 PM

Funk

疯克就是节奏。但没有太简单的节奏。

对于主流的灵魂乐和摇滚乐,疯克音乐最明显的区别就在于由贝司和鼓构成的节奏部的不同:它的重音在强拍上,拿4/4拍的歌曲来讲就是第一、第三拍;而吉他则由一种以演奏旋律为主的乐器转化为一种节奏乐器,scratch和断奏是演奏的要点;比之于传统灵魂乐,疯克中管乐也更倾向于节奏的表现。

疯克(Funk)一词最早出现在节奏布鲁斯和灵魂乐的词汇表里始于Dyke & the Blazers的一首节奏布鲁斯热门舞曲“Funky Broadway”中。理论家们的意见是:同“rock & roll”或“jazz”这些词一样,funk同样是一个关于性活动的委婉语,尽管在黑人社区中这个词经常用来形容味道难闻或东西粗糙。六十年代末,这个灵魂乐的变种开始被称为疯克。James Brown(詹姆丝·布朗),“灵魂乐教父”,是疯克音乐的缔造者。在美国音乐的大熔炉中,它吸收了迷幻音乐、硬派吉他摇滚、拉丁音乐、doo wop和其它一些音乐元素。

Funk Metal(疯克金属)

疯克金属延续了重金属演奏的高声吉他和即兴重复段并且使它们融合了流行的贝斯旋律和疯克的切分节奏。疯克金属在80年代中期开始发展当像the Red Hot Chili Peppers和Fishbone 的另类乐队开始演奏比金属更强节奏的疯克旋律。那些乐队沿袭了比疯克更多的金属特征,尽管他们保留了狂热的贝斯路线。

keving007 - 4/4/2006 5:41:00 PM
真的是不错吖,,,谢谢啦
永世枪手魂 - 5/1/2006 7:04:00 PM
好多啊 
7only_pires - 6/5/2006 12:02:00 PM
以下是引用华月X艳在2005-12-19 18:31:23的发言:

好多。。。。好多。。。看得眼睛都累。

这些也就只能给刚刚接触的人看而已,说直了,就是骗新手。

慢慢感觉吧!!要求不多,能找到自己喜欢的就行了

[em04]
晕```你不如直接改成问听音乐有没有必要分类~~~听音乐真的有必要分类吖~~[em04]
马厂王子 - 6/8/2006 1:39:00 PM
太多了 懒得看了 留名[em04]
samsung365 - 7/6/2006 10:46:00 AM
winamp3汉化的不能下载嘛
普通的枪迷 - 2/4/2007 4:39:00 PM
长了好多见识!但是头好晕![em10]
sos - 7/3/2007 11:39:00 AM
LS的在干吗呢。。。。~[em02]
bluedragon00000 - 8/18/2007 9:40:00 PM

精品,这在学校要学几年?看来中国音乐教育太不行了。

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